L’année dernière, pour son projet à Niort, Vhils s’est inspiré de l’engagement de la ville en faveur du développement durable. La fresque qui en résulte, parfaitement intégrée au Port Boinot, est un mélange de formes végétales et d’un visage féminin rappelant les ouvrières de l’usine Boinot, reflétant la vision de Niort pour un avenir plus vert. Un an après, retour sur les motivations et l’inspiration de Vhils.

Comment en êtes-vous venu à choisir le graffiti comme point de départ de votre parcours artistique ? Vers l’âge de dix ans, j’ai été fasciné par tous les graffitis illégaux que je commençais à voir sur le chemin de l’école chaque jour. J’ai commencé à dessiner et à expérimenter avec des tags, principalement en copiant principalement ce que je voyais. C’était visuellement fascinant et risqué à la fois car c’était illégal et secret, mais c’était fait en public. Quand j’avais 13 ans, j’ai commencé à peindre des graffitis pour de vrai et au cours des années suivantes, je me suis complètement immergé dans la scène de graffiti illégal à Lisbonne en peignant principalement des trains. Je ne ferais pas ce que je fais aujourd’hui si mes débuts n’avaient pas été ancrés dans le graffiti. Ma pratique artistique actuelle est toujours dérivée du graffiti, même si ce n’est pas immédiatement apparent. Le graffiti m’a donné beaucoup de compétences : il m’a appris à naviguer dans les ruelles de la ville, comment utiliser l’espace public efficacement pour communiquer et interagir avec les gens dans une ville. Il m’a également donné de nombreux outils et concepts avec lesquels je travaille aujourd’hui, ainsi que toute la notion de destruction créative, le désir de créer une esthétique du vandalisme et de l’utiliser dans un cadre institutionnel.

Quelles sont les œuvres ou les artistes qui vous ont le plus impressionné et influencé votre style unique ? Je crois sincèrement que nous sommes constamment influencés et affectés par tout ce qui nous entoure. Il y a pas mal d’artistes dont j’admire le travail, même si je pense que mon art et mes idées ont été plus influencés par les petits détails de la vie que par le travail d’autres personnes. Lorsque j’ai commencé, je suivais de près le travail d’autres graffeurs, en particulier ceux qui étaient actifs autour de Lisbonne à l’époque. Lorsque j’ai commencé à suivre le boom du street art au début des années 2000, l’attitude et l’approche de Banksy sur la façon d’utiliser l’espace public et interagir avec un large public ont été déterminantes dans la formation de mes propres idées et approches. J’admire son travail et ce qu’il a accompli, même si je ne revendique aucune influence directe. Gordon Matta-Clark est également une référence majeure pour sa capacité à travailler avec des structures architecturales en relation avec une réflexion sur la dégradation urbaine et ses effets sur les personnes et les communautés vivant en milieu urbain. Parmi les artistes contemporains et internationaux, je peux citer, sans ordre particulier : Katharina Grosse, Anish Kapoor, Cai Guo-Qiang, Daniel Arsham, Richard Serra, Olivier Kosta-Théfaine pour n’en citer que quelques-uns. En ce qui concerne les artistes portugais, émergents et établis, je peux citer Julião Sarmento, Alexandre Estrela, Helena Almeida, Mário Belém, André da Loba parmi tant d’autres. J’admire aussi le travail de personnes anonymes qui laissent leur marque sur les murs des villes du monde entier.

Comment votre expérience de vie à Lisbonne a-t-elle façonné votre vision artistique et votre choix de travailler sur les murs de la ville ? 

Comme pour toutes les autres villes, j’ai une relation d’amour-haine avec Lisbonne. J’y suis né mais j’ai grandi à Seixal, une petite ville de banlieue située de l’autre côté du Tage, sur la rive sud. Ma première idée de Lisbonne était que cette ville était responsable du processus d’urbanisation qui envahissait ma ville natale et la campagne. Plus tard, lorsque je me suis impliqué dans la scène graffiti, j’ai commencé à m’aventurer à Lisbonne pour peindre et mon monde s’est élargi avec chacun de ces voyages. C’est à ce moment-là que je suis tombé amoureux de la ville. Elle a une ambiance poétique unique émanant de son charme particulier et fané, imprégné de culture et de passé, autrefois capitale d’un empire mondial florissant puis tombée en ruine sous une dictature conservatrice. C’est une ville de petits recoins et de détails cachés, elle diffère grandement d’un quartier à l’autre, selon la date de sa construction, donc c’est vraiment comme plusieurs villes différentes regroupées en une seule. La décadence particulière de Lisbonne est très présente dans ses murs. Voir ces fragments de choses passées m’a inspiré à développer mon langage visuel, donc je dois beaucoup à la ville.

Comment la ville de Niort vous a-t-elle contacté pour créer cette fresque ? Dans quelle mesure la région vous inspire-t-elle ? J’ai été contacté par Eric Surmont, conservateur à la Winterlong Galerie et membre d’une association qui promeut activement l’art urbain à Niort. Il y a plusieurs années, en 2012, j’ai eu l’occasion de créer une œuvre dans la ville sur le même bâtiment où se trouve maintenant cette nouvelle fresque. Cependant, en raison des rénovations et du réaménagement du Port Boinot, cette œuvre originale a été perdue. Eric m’a contacté avec une invitation à revenir et à créer une nouvelle œuvre sur le bâtiment revitalisé, que j’ai eu l’honneur d’accepter.

L’inspiration de cette pièce est profondément liée à la façon dont Niort envisage son avenir. Autrefois pôle industriel, la ville embrasse désormais la durabilité et augmente son empreinte naturelle. Ce changement me touche profondément, et le concept d’intégrer un rideau végétal dans la fresque me semblait une extension naturelle de cette vision. C’est un reflet des aspirations de Niort pour le renouveau et l’harmonie entre la vie urbaine et l’environnement, ce que je trouve incroyablement inspirant.

Comment choisissez-vous les murs sur lesquels vous travaillez et comment adaptez-vous votre création à l’environnement urbain ?

Avec les peintures murales, le choix du sujet et l’emplacement où une œuvre murale est sculptée dépendent de la nature du projet, mais dans la plupart des cas, il existe un lien entre eux. S’il s’agit d’un événement organisé, j’ai généralement un emplacement choisi pour moi à l’avance et je m’y tiendrai si les conditions sont bonnes. S’il s’agit d’un projet personnel, les emplacements sont généralement choisis pour leur lien avec ce qui est exploré et les conditions qu’ils offrent : visibilité, contexte, type et substance du mur, ses couches et ainsi de suite.

Pouvez-vous décrire en détail votre processus de création ? Comment passez-vous d’une idée à une fresque finie ? 

Mon processus de création commence généralement par une idée, qui peut aller d’un concept visuel complet au simple désir d’essayer un nouveau matériau ou une nouvelle technique. La plupart de mes travaux résultent de l’expérimentation de nouveaux outils et matériaux. Parfois, je trouve de grandes trouvailles, mais le plus souvent, ce n’est qu’une accumulation de résultats aléatoires et négatifs. Cependant, ceux-ci m’aident à apprendre et me dirigent souvent vers des directions inattendues.

Interview @elisahumann

Photos @ericsurmont ; @alexgiraud

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